BIOGRAFIAS 70 80 90: FREDDIE MERCURY 5 DE SEPTIEMBRE DE 1946, HOY CUMPLIRIA 67 AÑOS.

La vida de Frederick Bulsara comenzó en la isla africana occidental de Zanzíbar el 5 de septiembre de 1946. 25 años más tarde en Londres, bajo el nombre de Freddie Mercury, estaba al frente del grupo de rock ahora legendario llamado Queen. 
Hijo de Bomi y Jer Bulsara, Freddie pasó la mayor parte de su infancia en la India, donde asistió al Internado de San Pedro. Comenzó a tomar lecciones de piano a los siete años de edad. Nadie podría prever adonde lo llevaría el amor por la música. 
La familia Bulsara se trasladó a Middlesex en 1964 y desde allí Freddie se incorporó a una banda de blues llamada Wreckage, mientras estudiaba cursos de diseño gráfico en el Ealing College of Art. Cuando cantaba en Wreckage, un compañero de estudios presentó a Freddie con Roger Taylor y Brian May, fundadores de un grupo llamado Smile. Smile mutó en Queen cuando Freddie se unió a Roger y Brian como vocalista. El último en sumarse a los integrantes de la banda, que permanecieron juntos durante los próximos 20 años, fue el bajista John Deacon, quien lo hizo el 1º de marzo de 1971. 
El resto es historia del rock. EMI Records y Elektra Records firmaron con la banda y en 1973 su álbum debut Queen fue lanzado y aclamado como una de las novedades más interesantes en la música rock. 
El inmortal simple de cariz operístico Bohemian Rhapsody fue lanzado en 1975 y avanzó hacia la cima de las listas británicas, donde permaneció 9 semanas. Una canción que casi no fue publicada debido a su duración y estilo inusual, pero que Freddie insistió que iba a ser reproducida, se transformó en un éxito reconocible instantáneamente. Para entonces, el talento único de Freddie era cada vez más evidente, una voz con un rango notable y una presencia escénica que le dio a Queen su personalidad impredecible, extravagante y colorida.
Muy pronto la popularidad de Queen se extendió más allá de las costas del Reino Unido, mientras entraban en las listas de éxitos y triunfaban en Europa, Japón y los Estados Unidos, donde encabezaron las listas en 1979 con la canción Crazy Little Thing Called Love de Freddie. 
Queen fue siempre manejada indiscutiblemente como una organización democrática. Cada uno de los cuatro miembros es responsable de haber escrito sencillos número 1 para la banda. Esta enorme fuerza compositiva combinada con las luces espectaculares, el sonido impecable, una pizca de teatralidad y los movimientos gimnastas de Freddie hicieron de Queen lo que fue sobre el escenario y en la pantalla. 
A través de la capacidad de Freddie proyectarse a sí mismo y a la música e imagen de la banda hacia las cuatro esquinas de locales para 70.000 personas, fueron conocidos como los principales desarrolladores de rock de estadio. Esta reputación fue perpetuada por sus tácticas pioneras en América del Sur, donde en 1981 interpretaron un recital ante 231.000 aficionados en San Pablo, lo que fue entonces un récord mundial. También fueron reconocidos como innovadores clave en los videos pop, mientras su catálogo de clips de 3 minutos se volvía más y más aventurero en estilo, tamaño y contenido. 
Su fenomenal éxito continuó por todo el mundo a lo largo de los años 80, y se destacaron en 1985 por su actuación inolvidable robándose el espectáculo sobre el escenario de Live Aid. 
A mediados de los '80s, Freddie comenzó a concentrarse en su carrera solista, presentada conjuntamente a la de Queen ("la nave nodriza"), en varios álbumes, empezando con el lanzamiento de Mr. Bad Guy en 1985. 
El sentido de la parodia a sí mismo, tan querido a Freddie, alcanzó un cenit en 1987 con su versión de la canción The Great Pretender de Los Plateros, para la cual grabó un video en el que desciende por una amplia escalera entre hectáreas de recortes de cartón con su figura.
Su primera colaboración importante fuera de Queen fue con Dave Clark en 1986 para la grabación de Time, un musical del West End londinense. Esto fue seguido en 1987 cuando se hizo realidad uno de los prolongados sueños de Freddie: grabar con la mundialmente reverenciada diva de la ópera Montserrat Caballé. Barcelona, la canción da título al LP, se convirtió en un himno para la ciudad natal de la señora Caballé y el tema de sus Juegos Olímpicos de 1992. 
Aún cuando era más reconocido públicamente como el líder de una de bandas de rock progresivo más importantes de la década del 70, Freddie desafiaba el estereotipo. Un gusto para aventurarse a nuevos territorios -rasgo que iba a tener una influencia notable sobre la dirección que tomaría Queen- llevó a Freddie a explorar sus intereses en un amplio espectro de las artes, especialmente en las áreas de ballet, ópera y teatro. Incluso teniendo un rol activo: En octubre de 1977, los espectadores de una gala de caridad a sala llena organizada por Wayne Eagling, el bailarín principal del Royal Ballet, en el Coliseo de Londres recibieron la sorpresa de la aparición sin previo aviso de Freddie interpretando, vestido con un leotardo de lentejuelas plateadas, una intrincada rutina coreografiada para él por Eagling. En 1988 participó por una única noche en el musical Time de Dave Clark en el Dominion Theatre, aunque la leyenda cuenta que Freddie ocasionalmente asistía al teatro para apoyar el musical de su amigo Clark, una noche ¡vendiendo helados en la platea! A Freddie le hubiera encantado saber que el Dominion alberga ahora a We Will Rock You, el fenomenalmente exitoso musical de la banda, que ya ha ocupado el escenario de ese teatro por casi siete años más que los dos de la temporada original de Time. 
En 1990 Freddie volvió a los estudios para grabar Innuendo con Queen. 
El 24 de noviembre de 1991, la lucha de Freddie contra el SIDA terminó cuando falleció poco más de 24 horas después de haber anunciado públicamente que tenía la enfermedad. La desaparición del embajador del rock más innovador y extravagante marcó el fin de una era; músicos y aficionados de todo el mundo presentaron sus altos respetos en el Concierto Tributo a Freddie Mercury realizado en el Estadio de Wembley el 20 de abril de 1992, que dio origen a la Mercury Phoenix Trust, la organización caritativa contra el SIDA creada en memoria de Freddie por los miembros restantes de Queen y Jim Beach, el albacea de Freddie.
Freddie Mercury, que se especializó en el estrellato mientras le otorgó un nuevo significado al concepto de sentido de la teatralidad, dejó un legado de canciones que permanecerán por siempre y nunca perderán su talla de clásicos. Algunas de las más conmovedoras fueron inmortalizadas en el álbum Made In Heaven de Queen lanzado en noviembre de 1995. La portada del disco muestra una vista desde la casa de Freddie en Montreux. 
A pesar de los veinte años que han transcurrido desde la muerte de Freddie debida a complicaciones con el VIH, sigue en la mente de millones por todo el mundo como uno de los mayores artistas que existirán. En septiembre de 2010 (casualmente, cerca del 64º cumpleaños de Freddie) un sondeo realizado entre roqueros lo posicionó como la Mayor Leyenda Del Rock De Todos Los Tiempos, reclamando el título a Elvis Presley y superando a David Bowie, Jon Bon Jovi, Jimi Hendrix y Ozzy Osbourne. 
Un portavoz de OnePoll.com, el sitio que realizó la encuesta, dijo: "Freddie Mercury lo tenía todo: la voz, la imagen, la presencia escénica, todo". "Combinó su oído musical con su capacidad de entrega para públicos de estadio, y por eso millones quedaron devastados cuando el VIH lo mató en 1991. Su leyenda vivirá por siempre" (OnePoll.com. 6 de septiembre de 2010). 
El 5 de septiembre de 2010, la Mercury Phoenix Trust lanzó Freddie Por Un Día, una importante iniciativa anual diseñada para celebrar cada año la vida de Freddie en su cumpleaños y apoyar la labor en curso del Trust. El proyecto alienta a los fanáticos a vestirse un día como Freddie y, haciendo esto, recaudar fondos para la MPT a través del patrocinio. Nadie podría haber imaginado la extraordinaria respuesta resultante, con aficionados procedentes de 24 países de todo el mundo, desde Argentina a Ucrania, aprovechando la idea para rendir su propio tributo especial a Freddie. 
Algunos enviaron fotos pavoneándose con sus cosas en casa, cantando con un micrófono en su dormitorio. Otros se arriesgaron a pasar todo el día como Freddie, incluyendo a una entusiasta de Estados Unidos que que se vistió como Freddie 'Slightly Mad' y pasó el día en el centro comercial local y, a continuación, en el Zoológico Columbus de Ohio con un pingüino y un gorila. Otro tomó el TGV desde Francia a Suiza vestido con un leotardo de arlequín. Las historias de días extraordinarios y divertidos llegaron por cientos y, como resultado, Freddie Por Un Día será un evento anual.
Llevando esto un paso más adelante, el cumpleaños 67º de Freddie, hoy 5 de septiembre de 2013, será celebrado con una gran fiesta en ayuda de la Mercury Phoenix Trust a ofrecerse en Londres por Brian May y Roger Taylor de Queen. 
Más tarde este año, se espera también que comience el rodaje de un gran película de Hollywood sobre Queen, protagonizada por Sacha Baron Cohen como Freddie, presentando un guión del aclamado escritor Peter Morgan (La Reina, Frost/Nixon) y producida por GK Films, Tribeca Productions de Robert DeNiro y Queen Films. El estreno está previsto para 2013.

Real Name Farookh Bulsara
Date Of Birth: 5 de septiembre de 1946 - 24 de noviembre de 1991
Birthplace: Zanzíbar, Tanzania
Instruments: Voces, piano, guitarra, teclados

                 http://es.wikipedia.org/wiki/Freddie_Mercury

EL DIA QUE ''NONINO'' EVITO QUE ASTOR PIAZZOLLA MURIERA EN EL AVION CON CARLOS GARDEL ...

Un día de 1934, en Nueva York se conocieron Carlos Gardel y Astor Piazzolla. Carlos tenía 45 años, era una estrella consagrada y había triunfado en París. En esos días, empresarios de la Paramount lo habían traído a Nueva York para que protagonice los films y grabe los discos que enloquecerían al público. Le quedaba aproximadamente un año de vida antes de su fatal accidente. 

Astor, tenía 12, vivía en Nueva York desde los 4 años. Era un niño que hablaba mejor el inglés que el castellano, conocía los barrios de Nueva York como la palma de su mano. Inquieto, vivaz, creció en la zona de Greenwich, y más tarde en Little Italy (Brooklyn), entre armónicas, bandoneones, músicos de jazz, jugadores de beísbol e inmigrantes europeos. Lo esperaba la Argentina, más tarde el mundo y el tango, para que le diera un giro definitivo y revolucionario. 
Piazzolla vivió en Nueva York desde los 4 hasta los 16 años, con un amago de establecerse en Mar del Plata en 1930. Era un niño terrible, amigo de pandilleros, amante del box (de hecho comenzó a practicarlo hasta que un día quizo hacer guantes con Jack La Mota, luego de esa experiencia dejó el gimnasio), le gustaba la música, frecuentaba a hurtadillas los clubes de jazz, sobre todo si actuaba Cab Calloway, le encantaba tocar la armónica y a veces, a instancias de su padre, agarraba el bandoneón. "Un día descubrí que papá había empezado a escribir un diario sobre mí. Se llamaba 'Él también tiene su historia'. - recordaba Piazzolla en la biografía que escribió su hija, Diana - Estaba escrito a mano, en una libreta de tapas duras. Lo escondía en uno de los cajones del ropero. Había decidido escribir mi vida, paso a paso. Sus preocupaciones respecto a mi futuro, mi desamor por el tango, los maestros, las palizas. En esos días me llevó a un cabaret de Nueva york. Recuerdo que se llamaba 'El Gaucho', pero los dueños eran españoles. Ahí toqué para ellos 'Cuando llora la milonga' y les gustó mucho. A los pocos días formábamos un trío: un argentino llamado Agustín Cornejo, un peruano y yo. La presentación la hicimos en el Teatro Roerich. Por primera vez sentí lo que era la emoción de estar sobre un escenario, aplaudido por la gente. Yo actuaba vestido de marinero y después lo hice vestido de gaucho. Desde ese día, empecé a salir en los diarios. Era el niño prodigio llegado de las pampas argentinas." 
Un día, Vicente ''Nonino'' Piazzolla (Papá de Astor Piazzolla) supo que Gardel en Nueva York,  había alquilado un lugar en el piso 18 del edificio de Bellas Artes, en la calle Cuarenta y Ocho. Vicente le comenta a Asunta, su esposa, que le tallaría en madera un regalo, un guitarrista, para mandárselo como tributo de su admiración. Mandó a su hijo, Astor, a llevar el presente con la invitación de comer ravioles, pero con la recomendación de fijar el día para estar preparados. Allí va el inquieto Astor, con un paquete, preguntándose quién sería ese tipo tan importante. Gardel le cayó bien de entrada, le gustaba ese hombre alegre, que lo trataba como si lo conociera de toda la vida, se despidió con la promesa de volver al otro día con su bandoneón. Diana Piazzolla relata el siguiente encuentro: 
"Al día siguiente, con una camisa blanca y un pantalón azul, Astor caminó despacio hacia el departamento de su amigo. Cuando llegó, Carlos ya estaba listo. Camisa francesa de seda natural, traje claro, corbata a rayas. le ofreció un vaso de leche. 
- Sentate tranquilo, tomá la leche y tocate algo en el bandoneón - dijo y se sentó a su lado. 
Astor colocó el bandoneón sobre sus rodillas y tocó: un poco de Gershwin, algunos valses, una ranchera, un tango. Gardel lo miraba y sonreía. Después del tango habló: 
- Vas a ser algo grande, pibe, te lo digo yo... Pero al tango lo tocas como un gallego. 
- Es que tengo que ensayar, yo de tango no sé mucho - se disculpó Astor 
- Metele, que vas a llegar. Y ahora vamos que quiero conocer la ciudad. 
Caminaron toda la mañana. Gardel se probó camisas, compró zapatos, trajes, corbatas y al mediodía comieron ravioles en el Santa Lucía. Astor le mostró sus escuelas, la casa de George Raft, el Central Park, el River Side, los alrededores de Harlem. 
- ¿A vos te gusta el jazz? - preguntó Gardel, al ver el entusiasmo con que Astor hablaba de Cab Calloway. 
- Es lo que más me gusta. El tango todavía no lo entiendo... 
- Cuando lo entiendas, no lo vas a dejar... 
Siguieron caminando. Gardel se había encariñado con aquel pibe que quería saber acerca de las noches de Buenos Aires, y Astor ya no olvidaría a ese hombre que tomaba todo con calma, como si la vida fuera interminable, y que se entristecía cuando hablaban de Argentina." 
Astor grabó un disco con Gardel y participaría en la película El día que quieras, haciendo el papel de canillita, un papel que le calzaba justo. 
Gardel quedó tan entusiasmado con el pequeño Piazzolla que le ofreció a los padres llevarlo con él a la gira que iba a realizar próximamente, pero Vicente inflexible, se negó rotundamente, Astor era todavía un niño. Esa tarde, con café con leche de por medio y buñuelos preparados especialmente por Asunta, se vieron por última vez Gardel y Piazzolla. Carlos, calmo y sonriente, con un dejo de nostalgia porque dejaba a su pequeño amigo; Astor, enojado y frustrado, porque se había ilusionado con esa gira y ya imaginaba lugares y aventuras. Esa tarde se despidieron, cada uno con su destino a cuestas. A uno lo esperaba un vuelo fatídico que lo convertiría en un mito renovado año a año; al otro, le aguardaban años de formación, de lucha a brazo partido para imponer su música, la que revolucionó el tango y que dejaría, en su ausencia, un hueco imposible de llenar. 

Gardel y el cine: 
Gardel era un hombre muy disciplinado. Hacía gimnasia, estudiaba, grababa discos casi todos los días y para filmar tuvo que bajar una enorme cantidad de kilos. Era exigente con los demás, a menudo Le Pera debía escribir una docena de veces una letra para que Gardel se la acepte, pero a su vez, siempre lo caracterizó su integridad, se negó una y mil veces a cantar en inglés en sus films. 
Entre 1932 y 1935 filmó para la Paramount el número increíble de nueve películas. Las cuatro primeras rodadas en Francia, el resto en Nueva York. Las seis últimas con guión de su letrista, Alfredo Le Pera. 
'El día que me quieras' fue dirigida por John Reinhardt. Gardel está acompañado por la actriz mexicana Rosita Moreno y por Tito Lusiardo. Entre los papeles secundarios figura el pequeño Astor Piazzolla. En la película Gardel interpreta 'Suerte negra', 'Sol tropical', 'Sus ojos se cerraron', 'Guitarra mía', 'Volver' y la canción que le da nombre al film, cantada al final a dos voces con Rosita Moreno. El estreno argentino tuvo lugar el 16 de julio de 1935, en el cine Broadway, de Avenida Corrientes 1155. 
Gardel y el inglés: 
Gardel recibió la imposición de los ejecutivos cinematográficos y radiales para que cante en inglés. La gerencia de la NBC, con motivo del éxito que tenían los programas de Gardel con la colonia latinoamericana, quiso captar a los oyentes norteamericanos. Se le propuso a Gardel cantar en inglés. Se prepararon algunos estribillos, traducidos y escritos fonéticamente, para que éste los cantara. El experimento fue en vano. "Cómo voy a cantar palabras que no entiendo, frases que no siento. - explicaba Gardel - Hay algo en mí que vibra al sonido de las palabras que me son familiares, que están hondamente arraigadas en lo más íntimo de mi ser; palabras que aprendí en mi niñez, que tienen el significado de cosas muy nuestras, imposible de transmitir. Mi idioma, señores, es el español... o mejor aún, el porteño. La pregunta ¿Me quieres? no contiene para mí la emoción que se vuelca en la misma pregunta porteña ¿Me querés? ¡Yo sé cantar solamente en criollo!

Adiós Nonino es una pieza musical de tango, compuesta por el músico y compositor argentino Astor Piazzola; es considerada por muchos como la mejor y más representativa obra del autor.
La historia
En el año 1959, Piazzolla se encontraba realizando una gira por Centroamérica cuando, durante una presentación en Puerto Rico junto a Juan Carlos Copes y María Nieves Rego, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente Piazzolla, apodado Nonino, debido a un accidente de bicicleta en su ciudad natal, Mar del Plata. Esta noticia, sumada al fracaso de la gira, a los problemas económicos y a la nostalgia que le producía estar lejos de su país natal, llevó a Piazzolla a la depresión. Es cuando retorna, en octubre de ese año, a la ciudad de Nueva York (lugar donde residía temporalmente con su familia), que compone esta maravillosa obra, en homenaje a su padre, basada en Nonino, otro tango que Astor había compuesto cinco años antes en París, también dedicada a Vicente Piazzolla.

Papá nos pidió que lo dejáramos solo durante unas horas. Nos metimos en la cocina. Primero hubo un silencio absoluto. Al rato, oímos que tocaba el bandoneón. Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo Adiós Nonino.                       

                                                           Daniel Piazzolla 

 En una entrevista de 1990, Piazzolla declaró que éste era su tango número uno, y que muchas veces había intentado superarlo, pero sin éxito.

La letra fue escrita por mi amiga la cantante y compositora argentina Eladia Blázquez.

Desde una estrella al titilar...
Me hará señales de acudir,
por una luz de eternidad
cuando me llame, voy a ir.

A preguntarle, por ese niño
que con su muerte, lo perdí,
que con "Nonino" se me fue...
Cuando me diga, ven aquí...
Renaceré... Porque...

¡Soy...! la raíz, del país
que amasó con su arcilla.
¡Soy...! Sangre y piel, del "tano" aquel,
que me dio su semilla.

Adiós "Nonino"... que largo sin vos, será el camino.
¡Dolor, tristeza, la mesa y el pan...!

Y mi adiós.. ¡Ay! Mi adiós,
a tu amor, tu tabaco, tu vino.
¿Quién..? Sin piedad, me robó la mitad,
al llevarte "Nonino"...

Tal vez un día,
yo también mirando atrás...
Como vos, diga adiós
¡No va más..!
  
Recitado:

Y hoy mi viejo "Nonino" es una planta.
Es la luz, es el viento y es el río...
Este torrente mío lo suplanta,
prolongando en mi ser, su desafío.
Me sucedo en su sangre, lo adivino.
Y presiento en mi voz, su propio eco.
Esta voz que una vez, me sonó a hueco
cuando le dije adiós Adiós "Nonino".

¡Soy...! La raíz, del país
que amasó con su arcilla...
¡Soy...! Sangre y piel,
del "tano" aquel,
que me dio su semilla.
Adiós "Nonino"... Dejaste tu sol,
en mi destino.
Tu ardor sin miedo, tu credo de amor.
Y ese afán... ¡Ay...! Tu afán
por sembrar de esperanza el camino.
Soy tu panal y esta gota de sal,
que hoy te llora "Nonino".
Tal vez el día que se corte mi piolín,
te veré y sabré... Que no hay fin.

                                    http://www.mdzol.com/nota/279328/

   
                             http://www.todotango.com/spanish/biblioteca/cronicas/adios_nonino.html

BANDAS MITICAS 70 80 90: MEN AT WORK AUSTRALIA 1979-1986 1996-2011

 
                               http://es.wikipedia.org/wiki/Men_at_Work

Men at Work fue una banda de rock australiana influenciada por el reggae de principios de los años 1980.
Integrantes: Colin Hay, Ron Strykert, Jerry Speiser, Greg Ham, John Rees. Procedencia: Melbourne, Australia.
La historia de la banda empieza con el cantante Colin Hay, nacido y criado en Escocia. Su padre tenía una tienda de artículos musicales en Glasgow, la capital escocesa. Fue allí donde aprendió a tocar todos los instrumentos. En 1967, cuando tenía 14 años, su familia se muda a Australia.
Así, en su primer año, empezó a tocar con pequeñas bandas, y lo seguiría haciendo aún estando en la secundaria y la universidad. En 1978, en medio de una presentación, conoce al guitarrista Ron Strykert con quien decide armar un dúo acústico y tocar alrededor de Melbourne. Fue en el proceso de escoger el repertorio que nació la base musical de Men At Work.
En uno de los lugares en los que acostumbraban a tener sesiones de jam, el "Grace Darling Hotel", se encontraron con el baterista Jerry Speiser, conocido de Colin de la universidad y a quien integrarían a la formación. Se agregaría el tecladista Greg Sneddon a mediados de 1979 para participar en una sesión de grabación como grupo de base de una agrupación aficionada llamada “Riff Raff”.
Sin embargo, Sneddon decidió no quedarse y fue reemplazado por Greg Ham, un músico polifuncional. Después de tocar 5 meses juntos decidieron agregar un quinto miembro a la alineación, el bajista John Rees.
Después de un año de tocar en un bar, establecieron una base de seguidores que iban a cuanto lugar se presentaran. A finales de 1980, el grupo podía darse el lujo de llenar cualquier lugar en Melbourne. Ese mismo año publicaron un disco sencillo financiado por ellos mismos y bajo el sello M.A.W. En el lado A tenía el tema “Keypunch Operator” y en el B una versión previa de la conocida “Down Under”.
La banda tenía listo el camino al éxito. Era una cuestión de vibraciones. El ejecutivo de la CBS que los oyó por primera vez, se vistió de un trabajador diferente cada día (plomero, electricista) hasta lograr que los contrataran. La presión fue tal que así se hizo a inicios de 1981. La primera canción que grabaron fue “Who Can It Be Now?”, un tema con algo de reggae en la música y mucha paranoia en su letra.
La canción fue un éxito en Australia y llegó al número uno en agosto de 1981, cuatro meses pasaba lo mismo con el álbum y el tema “Down Under”. “Business As Usual” fue el primer disco en debutar en el número uno de las listas neozelandesas, además de tener un suceso importante en Europa y Canadá.
El disco fue producido por el estadounidense Ian McIan y fue rechazado dos veces por la filial norteamericana de la CBS para lanzarlo en ese país. El manejador de la banda nunca aceptó un no por respuesta y, debido a su insistencia, la compañía lo escuchó. 6 meses después el disco se lanzó por igual en el Reino Unido y en Estados Unidos, y la banda se convirtió en el número de apertura ("teloneros") para Fleetwood Mac en su gira americana.
En octubre del 82 la canción era número uno en Estados Unidos y en noviembre el disco empezó una estadía de 12 semanas en el primer lugar, algo que no sucedía desde los Monkees. En enero de 1983, “Down Under” estuvo en la cima de las listas inglesas y americanas.
Una parte del éxito venía de los videos de sus canciones. MTV acababa de salir y la industria del video apenas se estaba desarrollando. Apareció con un estilo refrescante, algo irreverente, pero en cualquier caso gracioso e inocente. En 1993 se llevaron el Grammy a la Mejor Nueva Actuación.
Además se enfrentaba al problema de que su disco había sido número uno en Australia un año antes y eso podía significar que se enfriaran en la memoria de su gente. Estado aún en la cima de la popularidad en Estados Unidos y el Reino Unido, lanzaron “Cargo” un disco que hizo el número 1 en Australia y el Top 10 a ambos lados del Atlántico. Sin embargo, sobreexpuso al grupo y los obligó a una gira que duró un año.
Terminada la gira, el grupo se tomó un año libre de manera de poder volver a vivir nuevamente. Colin Hay se casó, estuvo de luna de miel en Francia y grabó un disco con algunos amigos de Melbourne. Greg Ham se unió a su novia en una banda que tocaba en clubes australianos. Mientras tanto, las luchas internas empezaron a tomar forma.
Reclamos por la administración y la composición musical venían de John Rees y Jerry Speiser que se sentían no necesarios. Fue así que en 1985 Hay, Ham y Strykert grabaron y produjeron su tercer disco “Two Hearts”, usando una banda de apoyo para las sesiones de grabación.
El disco fue un fracaso y la gira de 18 meses que se llevaría a cabo en Estados Unidos debió ser cancelada debido a la baja venta de boletos. El primero en irse fue Strykert, luego Due Ham y finalmente Hay se dio cuenta que no podía mantener el nombre de la banda él solo y, a finales de 1985, inició su carrera como solista.
En 1996, pasó algo curioso. La música de la banda se puso de moda en Sur América y Ham y Hay iniciaron una gira de la que saldría un disco de éxitos en vivo llamado "Brazil". La banda, desde entonces no logró levantarse aunque aún se siguen editando y vendiendo recopilaciones de sus éxitos.
En los Juegos olimpicos de Sydney en el 2000, interpretarón su éxito "Down Under" como preludio del apoteósico e inolvidable cierre pirotécnico a los últimos Juegos del milenio.

Discografía [editar]
Álbums [editar]Keypunch Operator (1979);
Business as Usual (1982) #1 U.S., #1 U.K., #1 AUS;
Cargo (1983) #3 U.S., #8 U.K., #1 AUS;
Two Hearts (1985) #50 U.S., #16 AUS;
Contraband: The Best Of Men At Work (1996);
Brazil (1998).

Singles [editar]Año Título Posiciones Álbum
U.S. Hot 100 U.S. Mainstream Rock Australia UK
1982 "Who Can It Be Now?" #1 #46 #2 (1981) #45 Business As Usual
1982 "Down Under" #1 #1 #1 (1981) #1 Business As Usual
1983 "Be Good Johnny" - #3 #8 (1982) #78 (1984) Business As Usual
1983 "Overkill" #3 #3 #5 #21 Cargo
1983 "It's A Mistake" #6 #27 #34 #33 Cargo
1983 "Dr. Heckyll And Mr. Jive" #28 #12 #6 (1982) #31 Cargo
1985 "Everything I Need" #47 #28 #37 - Two Hearts

                   http://www.colinhay.com/