sábado, 12 de octubre de 2013

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HISTORIA DE LOS PREMIOS GRAMMY'S



 Los premios Grammy fueron creados por la Recording Academy (una asociación de estadounidenses profesionalmente relacionados con la industria de la música) para reconocer a los artistas más destacados en la industria de la grabación. Es una de las cuatro galas anuales de premios musicales que se celebran en Estados Unidos, (las demás entregas son los American Music Awards, Billboard Music Awards y el Salón de la Fama del Rock). Sin embargo, los Grammy, que normalmente se celebran en febrero, se consideran equivalentes a los Premios Óscar en el mundo de la música.1Como los Óscar, los Grammy, en la actualidad están compuestos por 105 categorías en 30 géneros de música, los cuales se otorgan por votación y no por índice de popularidad, como ocurre con los American Music Awards y los Billboard Music Awards.
La ceremonia de los Grammy es televisada a través del canal CBS, en la cual se entregan los premios más esperados e incluye actuaciones de los artistas más destacados.La fecha límite para ser candidato al Grammy es el 1 de octubre; por esta razón los artistas estratégicamente se apuran a publicar sus álbumes antes de esa fecha para poder tener opciones de ganar el Grammy de ese mismo año.Desde el año 2000, debido a la creciente importancia del mercado y de la producción de música en el ámbito de América latina, y entre la población latina de los Estados Unidos, se lleva a cabo la entrega de los premios Grammy Latino; estos premios, que actualmente se dividen en 50 categorías, tienen como fecha límite el 31 de marzo de cada año y se entregan en el mes de septiembre.

Categorías de los premios

     Grabación del año es otorgado al intérprete y al equipo de producción del sencillo.
Otra categoría que cada año es más importante es:

Categorías 2012

 El 6 de abril de 2011, "The Recording Academy", (la Academia de la Grabación), anunció una revisión drástica de muchas categorías de los premios Grammy del 2012.2 El número de categorías se redujo a 78 de 109. El cambio más importante es la eliminación de la distinción entre los solistas masculinos y femeninos, y entre las colaboraciones y dúos o grupos en los campos de diversos géneros (Pop, Rock, R&B, Country y el Rap). Además, varias categorías para solistas instrumentales se suspenderán. Las grabaciones en estas categorías se unieron en las categorías de "Mejor Actuaciones en Solitario". En el campo del Rock, las categorías separadas para los álbumes de Hard Rock y Metal se unieron, y la categoría de "Mejor Instrumental de Rock" se ha eliminado debido a un bajo número de entregas.
En R&B, la categoría "Mejor Álbum R&B Contemporáneo" y otras categorías de R&B han sido eliminadas. En la actualidad, cuentan con una sola categoría: "Mejor Álbum general de R&B". En Rap, las categorías de "Mejor Solista de Rap" y "Mejor Dúo de Rap" se fusionarán en la nueva categoría de "Mejor Actuación de Rap".
Hasta el 2011 hubo categorías separadas para los diferentes géneros regionales de música latina, como la música hawaiana, la música nativa americana y la música Zydeco/Cajun. Debido a la constante baja de las entregas para estas categorías, la Academia de la Grabación decidió combinar todas estas variaciones de música en la categoría de "Mejor Álbum de Música Nueva Regional", que también incluirá la Polca, cuyo género perdió su categoría propia en el 2009. En el campo del mismo género, las categorías de Blues tradicionales y contemporáneos, y las categorías folclóricas tradicionales y contemporáneos, cada una de ellas se consolidarán en una sola por género, debido a la cantidad de entregas y considerando los desafíos en la distinción entre Folk Contemporáneo y Americana, y Contemporáneo y tradicional Blues. En el ámbito mundial, el género de la música, las categorías tradicionales y contemporáneos también se han fusionado.
En el campo del género Clásico, la principal categoría de "Mejor Álbum de Música Clásica" se ha interrumpido, porque la mayoría de las personas en esta categoría también habían ganado en una de las otras categorías clásicas para el mismo álbum. Las Grabaciones de música Clásica se han unido con la categoría "Mejor Álbum del Año".
Se determinó por la Academia de la Grabación que la palabra "Gospel" en el campo del género Evangélico tiende a evocar las imágenes y los sonidos del Gospel tradicional, y el coro deja de lado la música actual Cristiana Contemporánea (CCM). Por lo tanto el campo de género y algunas categorías han sido renombradas a "Mejor Música Cristiana Evangélica Contemporánea". Varios campos de género se mantendrán sin cambios, como la Danza, el Reggae, el Pop tradicional, la Palabra Hablada y el de la Comedia. El campo de Artesanía (por ejemplo, notas del trazador de líneas, embalaje y producciones históricas) también quedan iguales.

Récords de los Premios Grammy

 Más Grammys ganados en vida.
El récord para la mayor cantidad de Grammys ganados en vida lo mantiene Sir Georg Solti, un director de orquesta británico-húngaro que condujo la Orquesta Sinfónica de Chicago por veintidós años. Él personalmente ganó 31 Grammys y obtuvo en total 38 Grammys (6 fueron como ingeniero y 1 como solista); fue nominado otras 74 veces antes de su muerte en 1997.

Más Grammys ganados por una banda.

A la fecha, U2 ha ganado más Grammys que cualquier otra banda, haciendo un total de 22 premios. Ha ganado en las categorías de "Mejor Grupo o Dúo de Rock" siete veces, "Álbum del Año" dos veces, "Grabación del Año" dos veces, "Canción del Año" dos veces, y "Mejor Álbum de Rock" dos veces.

Más Grammys ganados por álbumes consecutivos.

Pat Metheny y Pat Metheny Group han ganado 17 Grammys en total, incluyendo siete premios consecutivos por siete álbumes consecutivos.
  • Mejor Interpretación Jazz Fusión (1983, 1984, 1985, 1988, 1990)
  • Mejor Composición Instrumental (1991)
  • Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo (1993, 1994, 1996, 1999, 2003, 2005)
  • Mejor Álbum Instrumental de Jazz, Individual o Grupal (1998, 2000)
  • Mejor Interpretación Instrumental de Rock (1999)
  • Mejor Solo Instrumental de Jazz (2001)

Más Interpretaciones consecutivas de álbumes que ganaron el Grammy por Grabación del Año.

Hal Blaine, baterista de sesión, tocó en seis grabaciones consecutivas en las cuales ganó Grabación del Año:

Más Grammys ganados por un solista masculino

Vladimir Horowitz, como pianista solista, ha ganado 26 Grammys. Stevie Wonder, como solista, ha ganado 25 Grammys.

Más Grammys ganados por una solista femenina

Alison Krauss, como solista, colaboradora, productora y con Union Station ha ganado 28 Grammys.

Más Grammys ganados por "Mejor Interpretación Vocal Femenina de R&B"

Beyonce Knowles ha ganado este premio 17 veces, 7 de ellas consecutivamente. Es importante destacar que dicho premio se otorga luego de una evaluación de las interpretaciones en vivo de la cantante, es decir para esta categoría se tienen en cuenta vibrato, melismas, notas altas, técnicas de respiración, falsetto, entre muchas otras técnicas vocales.

Único artista en ganar los "seis grandes" Grammys en una misma gala.

Adele es la única intérprete que ha logrado ganar los 6 grandes premios en una sola noche. los cuales son Álbum del Año y "Mejor Álbum Pop" por 21, "Grabación del Año", "Canción del Año" y "Mejor Video Musical de Versión Corta" por Rolling In The Deep, y "Mejor Interpretación Pop Solista" por Someone Like You. actualmente la artista posee 9 de estos premios

Más nominaciones al Grammy en diferentes categorías.

Béla Fleck ha estado nominado en más categorías que cualquier otro músico: Country, Pop, Jazz, Bluegrass, Clásica, Folk, y Hablado; y también Composición y Arreglos.

Persona más joven en ganar un Grammy.

LeAnn Rimes es la artista más joven en ganar un Grammy. Ella fue elegida "Mejor Nueva Artista" en 1997 cuando apenas tenía 15 años.
Luis Miguel, cantante latinoamericano, también es el artista más joven al ganar un Grammy con solo 15 años, en 1985.

Más Grammys ganados por un artista masculino en una noche.

La mayor cantidad de Grammys ganados por un artista masculino en una sola noche es 9, récord de Michael Jackson en 1983: ocho por Thriller y uno por mejor canción: "Someone In the Dark" en audiolibro, perteneciente a la película E.T. El extraterrestre. En el año 2001, Carlos Santana casi iguala este récord consiguiendo 8 premios en una sola noche.

Más Grammys ganados por una artista femenina en una noche.

La mayor cantidad de Grammys ganados por una artista femenina en una noche es seis, récord compartido con la cantante norteamérica Beyonce en 2010, llevándose 6 premios, superándose a sí misma debido a que en la entrega de premios de 2004 había ganado 5 galardones. Los Grammy ganados por ella en 2010 fueron: "Canción del Año", "Mejor Actuación de Pop Vocal Femenina", "Mejor Actuacíón de R&B Vocal Femenina", "Mejor Actuación de R&B Tradicional Femenina", "Mejor Canción de R&B" y "Mejor Álbum de R&B Contemporaneo", y la cantante británica Adele en 2012, premiada por: "Álbum del Año" y "Mejor Álbum Pop" por 21, "Grabación del Año", "Canción del Año" y "Mejor Video Musical de Versión Corta" por Rolling In The Deep, y "Mejor Interpretación Pop Solista" por Someone Like You. Cabe también mencionar que en segundo lugar se encuentran Alicia Keys y Amy Winehouse, quienes ganaron 5 Grammys en una sola noche. Tina Turner, en 1984, ganó 3 Grammys en una sola noche, incluido el récord del año.

Récords de nominaciones.

  • Quincy Jones tiene el récord de más nominaciones al Grammy con 79.
  • Alan Parsons y Joe Satriani empatan en tener más nominaciones al Grammy sin ganar, con trece.
  • Katy Perry es la artista femenina contemporánea con más nominaciones al Grammy sin ganar, con nueve.
  • Billy Gilman es la persona más joven en ser nominada a un Grammy. En 2001 fue nominado por "Mejor Interpretación Vocal Country Masculina", perdiendo frente a Johnny Cash. Tenía 12 años y 273 días de edad cuando obtuvo la nominación.
  • The Beatles es la primera banda en tener un álbum nominado en la categoría Álbum del año.
  • Lady Gaga es la única artista que llegó a estar 3 veces consecutivas nominada a la categoría del Álbum del año.
  • Taylor Swift es la artista más joven en ganar la categoría Álbum del año.

Críticas.

Quizá lo qué más ha llamado la atención de estos premios no sea la importancia que varios medios de comunicación les dan, sino más bien la polémica que han causado a lo largo de su trayectoria. Han sido fuertemente criticados por varios especialistas dentro del mundo de la música. Muchos críticos conservadores han argumentado que los Premios Grammy tienen la intención de beneficiar solo a un grupo de la industria musical promoviendo sus productos e ideas. Los ganadores en los Grammy solo reflejan las preferencias políticas, sociales y artísticas de los votantes miembros de la Academia. Otros críticos dentro de la industria, han cuestionado abiertamente el porqué los Grammy siguen teniendo importancia en la sociedad actual. En varios capítulos de la serie animada Los Simpson, se menosprecia este premio.
Una de las críticas es que grandes iconos musicales como Queen, Depeche Mode o Led Zeppelin jamás se llevaron uno, David Bowie sólo consiguió dos en toda su trayectoria, y Paul McCartney (ex miembro de las bandas británicas The Beatles y Wings) sólo se ha llevado tres en toda su trayectoria (igual número que Elvis Presley), siendo éste el que figura en el Libro Guinness de los récords como el "músico y compositor más exitoso en la historia de la música popular", al igual que Mariah Carey, quien gracias a su larga trayectoria y éxitos fue considerada la "Artista Femenina del Milenio" por Billboard, sólamente cuenta con 5 premios en comparación a otros artistas con menos trayectoria que han alcanzado más cantidad de premios Grammy en trayectorias cortas.
Por otro lado, cabe destacar la situación que se presentó cuando el dúo Milli Vanilli ganó un reconocimiento por Mejor artista revelación (Best new artist) en 1990. Posteriormente se supo que los componentes de dicho grupo únicamente ponían la imagen, y que todos sus discos habían sido en realidad grabados con las voces de otros artistas.

Jethro Tull y la polémica de 1989.

Artículo principal: Premio Grammy a la mejor interpretación de hard rock/metal vocal o instrumental.
En 1989 los Jethro Tull ganaron el premio Grammy por su álbum Crest of a Knave en la categoría de The Best Hard Rock/Metal Performance (Mejor Performance de Hard Rock/Metal), derrotando a Metallica. El premio fue particularmente controvertido ya que no se considera a Jethro Tull como una banda de hard rock y mucho menos de heavy metal. El hecho adicional de que ésta fuera la primera ocasión en que se entregaba un Grammy de heavy metal fue visto como un insulto para los fanáticos del género. Tal vez como consecuencia de esto desde entonces se entregaron Grammys para bandas de heavy metal yhard rock por separado. Por recomendación de su mánager, ninguno de los integrantes del grupo había asistido a la ceremonia (parecía que no tenían posibilidades de ganar, ya que no era propiamente su género de música, aunque el disco tenía una calidad excepcional), afortunadamente para ellos, ya que apenas fueron anunciados como ganadores, parte de la audiencia abucheó el resultado. La banda, como consecuencia de las críticas, respondió lanzando un anuncio en una revista musical británica en el que se decía: "The flute is a Heavy Metal instrument!" (La flauta es un instrumento de Heavy Metal, en alusión a metal pesado), sin embargo, la academia se pronunció varios días después aunque con un discurso muy corto y poco eTntendible. Luego el tema quedó cerrado.

Televisión y audiencia.

Antes de la primera transmisión televisiva en vivo de los premios Grammy en 1971 en la American Broadcasting Company (ABC), una serie de grabaciones especiales anuales en la década de 1960 llamado The Best fueron difundidos por la National Broadcasting Company (NBC). La transmisión del primer Premio Grammy tuvo lugar en la noche del 29 de noviembre de 1959. Hasta 1971. Pierre Cossette compró los derechos para retransmitir la ceremonia de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias y organizó la primera transmisión en vivo.9 CBS compró los derechos de Radiodifusión en 1973 después de mover la ceremonia a Nashville, Tennessee, los American Music Awards fueron creados para la cadena ABC (por Dick Clark) como resultado.
La Recording Academy anuncia el 21 de junio 2011 que había llegado a un nuevo contrato con CBS para mantener la entrega de premios en la red por otros 10 años. CBS también difundió el informe anual nominaciones concierto especial el 30 de noviembre de 2011 en Los Ángeles. Los Grammy se emitió el 12 de febrero de 2012. El programa de los premios Grammy en 2011 tuvo 26,6 millones de espectadores.

http://www.grammy.com/


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70 80 90: DEPECHE MODE ESSEX, REINO UNIDO 1980


 Depeche Mode es una banda británica de música electrónica formada en Basildon, Essex, Reino Unido en 1980 por Vince Clarke y Andrew Fletcher, a los que se unieron Martin Gore y poco después David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien permaneció hasta 1995. Desde entonces Gahan, Gore y Fletcher han continuado como trío.
Según el documental de Historia del Rock de la BBC "son los padres del rock electrónico"; está considerado uno de los mejores exponentes del género, siendo importantes precursores del uso del sintetizador como instrumento y del sampler como recurso musical, así como de la realización de videos musicales. Depeche Mode ha vendido más de 115 millones de álbumes,3 sumando el total de ventas de sus discos en todo el mundo, incluyendo sencillos, convirtiéndose en el más exitoso grupo de música electrónica en la historia. También fue elegido entre los 50 mejores grupos de música de todos los tiempos y uno de los 10 más influyentes de la música contemporánea.4 5
Depeche Mode se convirtió en "la banda de rock electrónico más popular que el mundo ha conocido", según la revista Q, y "uno de los más grandes grupos de pop británico de todos los tiempos", de acuerdo al Sunday Telegraph.6

Formación y primeros discos

Artículos principales: Speak & Spell y A Broken Frame.
En 1977 Vince Clarke, de diecisiete años, y Andrew Fletcher, de dieciséis años, formaron un dueto colegial llamado No Romance in China.7 Mientras tanto,Martin Gore de 17 años, formó un dueto acústico llamado Norman and the Worms, con su amigo de la escuela Philip Burdett (voz), en 1978.8 Para 1979, Clarke tocaba la guitarra en una banda que emulaba a Ultravox llamada The Plan, con sus amigos Robert Marlow y Paul Langwith.9 En 1979, Clarke formó con su amigo Paul Redmond, Martin Gore y Rob Marlow un nuevo grupo llamado French Look, con Marlow en la voz y teclados, Gore en la guitarra y Redmond también en los teclados.
En marzo de 1980, Vince Clarke, Martin Gore y Andrew Fletcher, quien se integró en lugar de Marlow y era amigo de la infancia de Gore, formaron al trío Composition of Sound en donde Gore y Fletcher eran guitarrista y bajista respectivamente, y Clarke era vocalista y teclista. El 31 de mayo de 1980, The French Look y Composition of Sound tocaron juntos en el Club de Jóvenes del St. Nicholas School en su natal Basildon, en el condado inglés de Essex.
Poco después de la formación de Composition of Sound, Clarke y Fletcher cambiaron a los sintetizadores, haciendo pequeños trabajos de carpintería para comprarlos o pidiéndolos prestados a amigos, debido a la comodidad y la creciente moda de su uso, además del ahorro en costos que representaba. Para 1980 reclutaron al vocalista David Gahan después de que Clarke lo contactara tras oírlo cantando"Heroes" de David Bowie en un salón de eventos artísticos mientras ensayaban. Por último cambiaron su nombre a Depeche Mode por sugerencia del mismo Gahan, quien lo tomó de estar hojeando una revista de modas francesa llamada así.
Al explicar la elección para el nombre, Martin Gore declararía, "esto significa la manera apresurada o expedición de la moda. Me gusta el sonido de eso".10
Después de buscar e insistir en discográficas consiguieron grabar en 1981 una canción de Clarke en un pequeño sello independiente de música electrónica llamado Some Bizzare Records.11 La canción era "Photographic" y apareció en un recopilatorio de nuevas promesas de ese sello, convirtiéndose así en su primera grabación para un disco. Semanas después, durante un concierto en vivo en el Bridge House en Canning Town,12 la banda se acercó a Daniel Miller, un músico del género electrónico fundador del sello Mute Records que estaba interesado en su proyecto para así expandir su sello,13 y quien por cierto era también uno de los que antes los había rechazado; los escuchó tocar en directo y reconsideró su decisión por lo cual les dio la oportunidad de grabar su primer sencillo y su primer álbum produciéndoselos él mismo a través de Mute, todo en un trato sólo verbal.
"Dreaming of Me" se grabó en diciembre de 1980 y se publicó en febrero de 1981, alcanzando el número 57 en las listas británicas, además, fue el primer sencillo del grupo antes de su estreno ese mismo año de su primer disco de larga duración, Speak & Spell.
Animados por esto, la banda trabajo su segundo sencillo, "New Life", que llegó al puesto número 11 en las listas británicas. Tres meses después se publicó la canción bailable "Just Can't Get Enough", su primer tema en entrar en el UK Top 10, alcanzando el número 8. Este sencillo fue en muchos aspectos un gran avance para la banda y su éxito allanó el camino para el álbum Speak & Spell, lanzado en noviembre de 1981, que llegó al número 10 en las listas británicas.
Las críticas fueron encontradas, Melody Maker lo describió como un "gran álbum... uno que tuvieron que hacer para conquistar al nuevo público y complacer a los fanáticos que no puede obtener suficiente",14mientras la revista Rolling Stone fue más crítica calificando el álbum "PG-Rated ploof".15
El álbum Speak & Spell se compone casi en su totalidad por nueve canciones de Vince Clarke, incluida "Photographic", además de una canción y un tema electrónico-instrumental de Martin Gore, y obtuvo buenas críticas sobre todo por el talento de Clarke para la música electrónica y para manejar el teclado, por lo cual fue considerado el "Mago de los Teclados".16
En los Estados Unidos, el grupo fue signado por la compañía Sire Records, filial del emporio Warner Music Group. La canción "I Sometimes Wish I Was Dead" en la versión americana del álbum fue cambiada precisamente por la canción "Dreaming of Me", y allá sólo "Just Can't Get Enough" se publicaría como sencillo.
Durante la gira de promoción de Speak & Spell, el 1981 Tour, Vince Clarke comenzó a hacer patente su malestar sobre la dirección que la banda estaba tomando. Después expresó su sentir declarando que "no había suficiente tiempo para hacer cualquier cosa",17 y alegando que esa no era la forma en que él quería trabajar. A fines de ese año, Clarke anunció públicamente que salía del grupo.18
Después que planteara su salida, Clarke ofreció a los miembros restantes de Depeche Mode la canción "Only You", pero se negaron a grabarla, así que éste la utilizó posteriormente para su nuevo dueto,Yazoo19 llegando al número 2 en listas del Reino Unido.
Por otro lado, la revista francesa Depeche Mode no ejerció medidas legales en contra del grupo por haber tomado su nombre, aparentemente porque lo consideraron inofensivo o una manera fácil de publicitarse.
Tras la salida de Vince Clarke, Martin L. Gore quedó como compositor principal de la banda.20 Gore recurrió a temas compuestos en su adolescencia como "See You", el cual se editó como sencillo y se convertiría en el mayor éxito del grupo, alcanzando la posición 6 en las listas británicas.21 Mientras tanto, la agrupación necesitaba de un nuevo teclista en sustitución de Clarke para los conciertos. A fines de 1981, publicaron un aviso en la revista Melody Maker para buscar otro músico, con el requisito de que no rebasara los 21 años. El londinense Alan Wilder, de 22 años, respondió el aviso, aunque en un principio mintió sobre su edad para poder hacer la prueba. Tras dos audiciones, Wilder obtuvo el puesto, pero al principio fue contratado sólo como miembro de apoyo en los conciertos.
En enero de 1982 el grupo realizó su primera gira mundial, bajo el nombre See You Tour.22 Durante ese breve tour, Depeche Mode preparó su segundo álbum, y aunque Wilder insistía en hacer sugerencias para los conciertos y las nuevas canciones, sus compañeros rechazaban sus propuestas de aportar algo más a su música.
En poco tiempo completaron su segundo álbum, A Broken Frame de 1982, que fue nuevamente producido por Daniel Miller. El álbum fue grabado como trío y contiene un sonido que trataba de acercarse al pop del primer disco y las letras de Vince Clarke, lo cual es evidente sobre todo en el tema "The Meaning of Love", aunque muchos observaron que las letras de Gore resultaban más introspectivas y tristonas que las de Clarke, mientras el sonido de la banda se había vuelto en general más oscuro y menos complaciente. Daniel Miller informó a Wilder que no era necesario para la grabación del álbum pues la banda quería demostrar que podían tener éxito sin Clarke.23
Ellos mismos declararían abiertamente que A Broken Frame es su peor disco, porque se encontraban sin identidad musical y arrastraban el estilo aportado por Clarke. No obstante, de él se destacaron los primeros clásicos del grupo, "Leave in Silence" y la misma "See You"; "The Meaning of Love" fue el segundo sencillo, pero su sonido Clarke iría en detrimento de su aceptación. Sólo "See You" se publicaría en Estados Unidos.
En octubre de 1982 la banda realizó su segunda gira de ese año, conocida como "Broken Frame Tour" y durante todo ese tiempo Alan Wilder siguió siendo sólo músico de apoyo, sin embargo al concluir la promoción del álbum fue integrado formalmente y apareció por primera vez como miembro en el video del tercer sencillo, "Leave in Silence".

Época industrial


El sencillo no incluido en álbum "Get the Balance Right!" fue lanzado en enero de 1983 siendo la primera grabación de Alan Wilder como miembro con Depeche Mode.

Ese mismo año, Depeche Mode empezó a trabajar en su tercer álbum de estudio, Construction Time Again de nuevo bajo la producción de Daniel Miller, y con apoyo del ingeniero Gareth Jones. Se grabó en el estudio The Garden de John Foxx y en los Hansa Studios de Berlín Occidental. El álbum contiene siete canciones escritas por Martin Gore y dos de Alan Wilder, quien se metió de lleno en el grupo encargándose de casi todo el trabajo de producción. El álbum mostró un cambio drástico en el sonido del grupo, debido en parte a la introducción por parte de Wilder del Synclavier y los emuladores desamplers, además de sus sintetizadores analógicos.24

Con el muestreo de los ruidos de objetos cotidianos, la banda creó un sonido ecléctico, con influencias industriales y similitudes a grupos como The Art of Noise y Einstürzende Neubauten (también de Mute).25 En su intento de álbum conceptual, hay quienes lo consideran como el primer trabajo en verdad importante de Depeche Mode por su sonido más depurado y por haber comenzado a experimentar con los samplers, recurso poco frecuente en aquella época, creando melodías de sonidos percusivos. Ellos mismos han llegado a decir que aún era un trabajo pretencioso pues no se logró como disco conceptual, de cualquier modo el tema "Everything Counts" de ése álbum es considerado por algunos como una de las mejores canciones de la banda. Se publicó también la canción "Love, in Itself" como segundo sencillo, aunque otra vez sólo "Eveything Counts" se publicaría en ambos lados del mundo.
Con el álbum llevaron a cabo la gira Construction Tour, la cual sin embargo seguía estando centrada principalmente a Europa.
El álbum supuso el comienzo del ahondamiento de Depeche Mode en un techno más industrial que los distinguiría musicalmente. Lo trascendente fue que Construction Time Again cambiaba radicalmente la orientación musical de Depeche Mode, de pronto se habían volcado a la música industrial surgida en Alemania, en donde fue grabado, y del mismo modo, las líricas de Gore mostraban una rápida evolución centrándose cada vez más en cuestiones políticas y sociales, y aunque dispersas sus letras se alteraron para hablar de temas más actuales y menos tradicionalistas para esa época. Un buen ejemplo de ello fue "Everything Counts" con su temática sobre la codicia de las empresas multinacionales.26 La crítica consideró que el disco tenía una mejor forma que los primeros materiales y el grupo perdió momentáneamente la etiqueta de pop para ser más duro en su discurso lírico y musical, mientras otros elogiaron la incorporación de Alan Wilder y la colaboración de Gareth Jones como determinantes en la evolución musical que mostraban.
Los primeros años del grupo, sólo habían alcanzado el éxito en el Reino Unido, Europa y Australia, sin embargo eso cambió en marzo de 1984, cuando lanzaron el sencillo "People Are People". La canción llegó hasta el número 2 en Irlanda y el 4 en el Reino Unido y en listas de Suiza además de ser su primer número 1 en Alemania. Esta canción fue el primer éxito de la banda en las listas de Estados Unidos.
Aprovechando el reciente éxito del sencillo, Sire Records, sello discográfico de la banda para América, lanzó la compilación People Are People, un EP que en su momento haría de primer disco en el mercado norteamericano y que además de contener el tema que le da nombre, llevaba canciones de los trabajos anteriores.
En septiembre de 1984 su cuarto álbum, Some Great Reward, fue lanzado, producido ésta vez por Daniel Miller y Gareth Jones, con siete nuevas canciones de Martin Gore, además del tema "People Are People" (que formalmente se desprende como sencillo de ese disco) y una nueva de Alan Wilder, y que fue grabado en Berlín en los estudios Hansa by the Wall donde David Bowie e Iggy Pop habían grabado algunos de sus discos a fines de los 70. El Melody Maker afirmó que el álbum hizo un "sentarse y tomar nota de lo que está ocurriendo aquí, delante de tus narices".27 El disco fue escandaloso por sus letras sensuales y provocativas, e incluso debido a ello fueron censurados del concierto benéfico Live Aid de 1985. Some Great Reward puso a la banda a experimentar con temas más oscuros, exploración de la sexualidad, relaciones adúlteras, la rebeldía y la justicia divina arbitraria.
Aunque ese álbum musicalmente fue parecido al Construction Time Again, hay quienes piensan que fue el primer disco verdaderamente bien logrado de Depeche Mode por lo atrevido de sus letras y por seguir arriesgándose al experimentar con nuevos sonidos y recursos técnicos, y lo consideran dentro los mejores trabajos que han hecho. Además de "People Are People", los otros sencillos fueron "Master and Servant" y el doble "Blasphemous Rumours/Somebody", éste publicado sólo en Europa.
En 1985 concluyeron la gira Some Great Tour, la primera que tuvo numerosas fechas en el continente americano, y el resto del año se tomaron su primer descanso después de cuatro años seguidos trabajando. Paralelamente, Sire Records publicó la colección Catching Up With Depeche Mode en los Estados Unidos, mientras en el Reino Unido Mute Records lanzó la compilación The Singles 81→85(con el mismo arte de portada y los mismos sencillos promocionales que formalmente se desprenden de este disco), que recogían temas de los discos que llevaban hasta ese momento incluyendo los nuevos sencillos "Shake the Disease" e "It's Called a Heart", así como la colección de videos Some Great Videos. También en ese año se publicó el videocasete The World We Live In and Live in Hamburg, el primer video lanzado por Depeche Mode que recoge un concierto casi completo del Some Great Tour de 1984, en Hamburgo, Alemania, como indica su nombre, el cual fue dirigido por Clive Richardson.28
Durante ese período, la banda fue asociada con la subcultura gótica que había comenzado en Gran Bretaña a fines de los 1970s, y poco a poco iba ganando popularidad en los Estados Unidos. Allí, su música habría de cobrar notoriedad en la radio universitaria y las estaciones de rock moderno como KROQ en Los Angeles, KQAK ("The Quake") en San Francisco y WLIR en Long Island, Nueva York, por ello se hizo una base de seguidores en primer lugar de un público de gusto alternativo que no hallaba otras ofertas con el predominio del "soft rock" y el "disco infierno"29 en la radio. Esta percepción hacia DM estaba en agudo contraste con la de Europa y el Reino Unido, a pesar del tono cada vez más oscuro y serio de sus canciones.30 En Alemania y otros países europeos, Depeche Mode fueron considerados ídolos de los adolescentes, y aparecían regularmente en las revistas juveniles europeas, propiciando que sus detractores hablaran más en contra de ellos.
Para esa época trascendió a la prensa un aparente choque de personalidades entre Martin Gore y Dave Gahan, aunque en realidad lo que llevó a la banda al terreno de los rumores fue el hecho de haberse tomado por primera vez unos meses sabáticos. Despreocupados, ellos no se interesaron en negar o confirmar tales versiones.

Los años oscuros y el éxito masivo


 En 1986 se publicó el álbum Black Celebration, considerado la evolución más grande del grupo hasta ese momento, apoyado por la publicación de su décimo quinto disco sencillo "Stripped". Con buena parte del sonido industrial-pop que había caracterizado a sus dos anteriores discos, DM presentaba un álbum siniestro, atmosférico y lleno de texturas, con algunos otros temas más oscuros y canciones de letras más sombrías. Producido otra vez por Miller y Gareth Jones, Black Celebration resultó un trabajo aún más introspectivo, aunque debido a la falta de temas puramente comerciales no repetiría el éxito económico del anterior material. El álbum se distinguió por un concepto de trabajo global y conceptual, por la diversidad de estilos musicales que manejaba y por tener un sonido más oscuro. Los otros sencillos con "Stripped" fueron "A Question of Time" y "A Question of Lust", ninguno de los cuales entraría en las listas de los Estados Unidos.
Asimismo, en Estados Unidos publicaron por primera vez tres sencillos, pero "Stripped", que resultó ser el tema más comercial, apareció allá como lado B, mientras la canción "But Not Tonight", su lado B original, se publicó como el lado A, pues se incluyó en la banda sonora de una película llamada Modern Girls, restándole importancia a "Stripped". Aun así, Black Celebration se colocó en ese momento como el álbum mejor logrado de Depeche Mode y en referente imprescindible de la música electrónica de esa época. Como testimonio del éxito de ese álbum, en giras posteriores varias de sus canciones se han incorporado en repertorios de los conciertos.
Otro aspecto muy importante para el grupo fue que con el material, más concretamente a partir del video de "A Question of Time", comenzaron a trabajar con el fotógrafo holandés Anton Corbijn,31 quien se convertiría en su diseñador de producción de cabecera y el que reinventaría su imagen en aquélla época fotografiándolos y filmándolos principalmente en blanco y negro, encontrando así una nueva manera de promocionarse ante los medios y el público, una manera más visual.
Así, a partir de Black Celebration la imagen del grupo se volvió más dura, David Gahan acabó consolidándose como centro visual de la banda tras haber estado a la sombra del creativo Martin Gore y su apariencia masoquista por la cual había sido el centro de atención del público y que en el disco adquiría otro tipo de protagonismo al cantar cuatro temas (es de hecho el álbum en donde aparecen más canciones cantadas por Gore). El álbum Black Celebration marcó un punto de inflexión musical para Depeche Mode manifestado principalmente con el tema homónimo Black Celebration, evidenciando influencia del rock gótico.
Después de 1986, el grupo trabajó por primera vez con un productor distinto a Daniel Miller o a Gareth Jones, alguien no relacionado con el sello Mute, David Bascombe, quien fue llamado para las sesiones de grabación del siguiente álbum, aunque de acuerdo con Alan Wilder su papel acabaría siendo más el de un ingeniero.32 El álbum Music for the Masses de 1987 convirtió a Depeche Mode en un grupo de enorme éxito comercial, y presentó más cambios en el sonido de la banda y sus métodos de trabajo, mientras los temas "Strangelove", "Behind the Wheel" y "Never Let Me Down Again" se convirtieron en nuevos clásicos; además de aquellas, la canción "Little 15" fue sencillo para Europa. Para 1988 se lanzó el VHS Strange con tan sólo 5 videos de Depeche Mode.
Si bien el rendimiento en listas de los tres primeros sencillos fuera muy bajo en Gran Bretaña, su buen desempeño en países como Canadá, Brasil, Alemania, Sudáfrica, Suecia y Suiza les permitió alcanzar los respectivos top 10. La revista Record Mirror lo describió como "el más logrado y a modo más sexy álbum hasta la fecha".33
Como testimonio del éxito del álbum, en giras mundiales posteriores varias canciones de Music for the Masses han aparecido en los repertorios de los conciertos.
Durante 1987-88, se llevó a cabo la correspondiente gira del álbum, el Tour for the Masses, constituida de 101 presentaciones. El 7 de marzo de 1988 se realizó un concierto no oficial (ya que no se anunció oficialmente por la banda) en el "Werner-Seelenbinder-Halle" de Berlín Oriental. En esa época el régimen comunista todavía estaba en el poder y Depeche Mode se encuentra entre las pocas bandas del Oeste que tocaran en la antigua Alemania Oriental.
Con el disco Music for the Masses entraron de lleno al mercado de los Estados Unidos y la última presentación de la gira Tour for the Masses fue publicada en 1989 en un álbum doble precisamente titulado101 (one-oh-one en inglés) que recoge la presentación del 18 de junio de 1988 en el estadio Rose Bowl de Pasadena, California, con la asistencia de cerca de 80.000 de sus seguidores,34 35 la más alta en ocho años para el lugar, y que es su primer álbum en vivo; la interpretación de "Everything Counts" en vivo fue lanzada como sencillo de ése álbum. La gira significó un gran avance y un éxito masivo en los Estados Unidos, asimismo, se recogió en la película 101 de 1989 en videocasete, aunque sólo con la mitad de las canciones, el resto es un documental realizado por el director D.A. Pennebaker sobre el paso del grupo por los Estados Unidos, el cual es notable por su retrato de la interacción con los seguidores del grupo, la cual se convirtió en un éxito de ventas ese año y es considerado un excelente documento de un álbum.36 37 Alan Wilder, fue quien tuvo la idea del nombre 101, el cual casualmente es también el nombre de una famosa carretera de la zona.38
Lo más importante del álbum Music for the Masses fue que en el sentido económico Depeche Mode logró un éxito mayúsculo y una penetración más evidente en el continente americano después de que sus primeros discos habían tenido una importancia mucho más localizada en Europa. Por ello, en adelante los contenidos de los álbumes serían los mismos en ambos lados del mundo, pues además el formato del disco en CD para ese año se había convertido en el predominante. El disco hacía honor a su título Música para las Masas y Depeche Mode era un grupo más digerible.
Por otro lado, aunque las letras de Martin Gore ya no resultaban tan atrevidas, ese aspecto discretamente se trasladó a su imagen como grupo que ya no era solamente oscura sino también, igual que el propio álbum, sensual, provocativa, sugerente, después de todo en ese momento ya no eran un cuarteto de adolescentes, abundando ello también en el impacto monetario del disco. De un modo muy cínico, el video de "Everything Counts" en concierto, dirigido por el propio Pennebaker, comienza haciendo referencias a ese aspecto con frases como I Love Money (Amo el dinero), porque de eso trata su letra, pero irónica y paradójicamente el mayor éxito como banda también traía consigo algunos problemas internos con Dave Gahan fascinado por Norteamérica y su ambiente más hedonista en oposición al tradicional conservadurismo inglés del cual provenían, Martin Gore bebiendo en exceso y lo que se rumoró un pleito subido de tono entre Alan Wilder y Andrew Fletcher durante el transcurso de la gira por los Estados Unidos.
Para 1989 Martin Gore protagonizó su primer trabajo solista, el Counterfeit e.p.

Época de rock electrónico y excesos


En 1989, la canción "Personal Jesus" comenzó a escucharse en la radio, la cual se dio a conocer antes aún de su lanzamiento en una campaña promocional con anuncios colocados en periódicos del Reino Unido con las palabras "Your Own Personal Jesus", después en los anuncios se incluyó un número de teléfono donde se podía marcar para escuchar la canción. El escándalo resultante por la temática de la canción, una velada crítica a la sobreexplotación por parte de la iglesia, ayudó a propulsar al sencillo, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de ese año, llegando a ser el sencillo en formato de 12 pulgadas más vendido en la historia de Warner Bros. Records.39 La canción se convertiría en una pieza representativa de Depeche Mode y del género de música electrónica mismo, sólo como primer sencillo del álbum Violator, que apareció hasta 1990, esta vez producido por Mark Ellis, más conocido como Flood, el cual además contó con la participación de François Kevorkian en la mezcla y cambió por completo el sonido del grupo hacia algo más oscuro, sofisticado y elegante.

Poco antes, en febrero de 1990, se publicó el segundo sencillo, "Enjoy the Silence", el cual llegaría a ser uno de sus más exitosos hasta ese momento; meses más tarde se convirtió en el mayor éxito del grupo en los Estados Unidos y, al igual que "Personal Jesus", se volvería fundamental dentro de la carrera de Depeche Mode.

Aparte de "Personal Jesus" y "Enjoy the Silence" se lanzaron otros dos sencillos, "World in My Eyes" y "Policy of Truth", además de realizarse seis vídeos, los de ésos cuatro sencillos y los de los temas "Halo" y "Clean", éstos en exclusiva para la colección en videocasete Strange Too40 de ese mismo año.
La principal característica del disco fue el uso más abierto de instrumentos no electrónicos, la guitarra, que ya utilizaban de forma algo difuminada en los anteriores discos, tomó un papel principal en este trabajo, mientras para su promoción se vistieron como un cuarteto de oscuros y sensuales vaqueros, haciendo nuevamente hincapié en la penetración lograda por el material en los Estados Unidos, embarcándose en la gira World Violation Tour con exactamente 88 destinos entre Estados Unidos y Europa.
El álbum se convertiría en piedra angular e importantísimo referente de la música electrónica, cuando por otro lado el Techno en ese momento había pasado de moda. Depeche Mode era uno de los pocos sobrevivientes del movimiento y el álbum no hacía sino acentuar su impacto dentro del género, motivos por los cuales Violator no sólo es habitualmente considerado el mejor disco que han realizado en su trayectoria, sino como uno de los más grandes dentro del género electrónico.
Al concluir la gira de Violator y tras un período de dos años durante el cual apenas si hubo contacto entre los integrantes (Gahan había ido a vivir a California, divorciado, hecho un total adicto a las drogas, y sólo mantenía contactos telefónicos esporádicos con los otros miembros), se pusieron a trabajar en su siguiente disco, el cual fue llevado a cabo en medio de un poco agradable ambiente en el que Gahan abandonaba el estudio en cualquier momento, lo que provocó múltiples atrasos para el lanzamiento. Daniel Miller y Flood debieron estar arengando todo ese tiempo a Gahan y aun a Gore, quien se mostraba indiferente ante todos los problemas internos, para concretar el disco. El mismo Flood haría público su hartazgo de haber trabajado en un ambiente tan tenso con el grupo y sólo la dedicación de Alan Wilder hizo posible llevar a buen término las problemáticas grabaciones.
En 1993 apareció el disco, Songs of Faith and Devotion, nuevamente producido por Flood y en el cual se dio un cambio total en el sonido del grupo, influido notablemente por el blues y el grunge, que en aquella época estaba en su apogeo, y en general una mayor experimentación con sonidos más orgánicos basados en gran medida en el uso de guitarras eléctricas distorsionadas, teclados y batería acústica; también incorporaron gaita irlandesa que con las voces gospel femeninas fueron novedosas adiciones al sonido de la banda. El álbum debutó en el número uno en el Reino Unido y los Estados Unidos, primeramente llamando la atención su sonido grunge el cual consta en el sencillo "I Feel You" y los otros sencillos "Walking in My Shoes" e "In Your Room", mientras "Condemnation" mostró la influencia gospel en el álbum.
La influencia grunge de Songs of Faith and Devotion se manifestó sobre todo en la imagen del grupo, musicalmente si bien se orientaron hacia el rock también tenía parte de lo que habían estado haciendo desde el inicio de su carrera, el cambio se encontró en haber incorporado instrumentos acústicos en lugar de sólo los sintetizadores y los samplers.
En aquel momento muchas revistas especializadas consideraron que el grupo se alejaría cada vez más de la música con la que se habían dado a conocer, mientras la banda iniciaba una larga gira mundial, el Devotional Tour,41 una de las más extensas de su carrera. Parte de la gira fue documentada por un concierto en video del mismo nombre,42 filmado en el Palau Sant Jordi de Barcelona, España, y elFesthalle en Fráncfort del Meno, Alemania, el cual fue dirigido por Anton Corbijn, publicado el mismo 1993 y fue nominado para el Premio Grammy por Mejor Video Musical Largo en 1995.43 La gira fue particularmente escandalosa por los problemas personales de los miembros del grupo, en particular la adicción a la heroína de David Gahan quien previamente desde el período de grabación del disco los había manifestado. El álbum apareció también como álbum en vivo simplemente titulado Songs of Faith and Devotion Live convirtiéndose en su segundo disco en directo, que fue lanzado el 6 de diciembre de 1993.44 El álbum en directo fue esencialmente una reproducción tema por tema del disco, y se lanzó sólo para aumentar las cifras de ventas del álbum de estudio, aunque resultó un fracaso comercial y de críticas, uno de los pocos en la larga carrera de la banda.
Para 1994 la gira se extendió con el nombre de Exotic Tour, que comenzó el 9 de febrero de 1994 en Sudáfrica, tras tan sólo un mes de descanso, y terminó el 16 de abril de ese mismo año en México, la cual prácticamente fue toda una nueva gira. Una segunda etapa del Exotic Tour con más fechas para América del Norte se extendió hasta mediados de ese año.
Andrew Fletcher comenzó con el grupo esa extensión del Devotional Tour, pero dado el desgaste físico que esto representaba, la mala relación que él y Alan Wilder siempre habían tenido, su carácter ya de por sí depresivo, la imparable adicción de Gahan a la heroína que estaba empezando a afectar su comportamiento, además de que Gore ya tenía problemas con el alcohol y en general la enorme tensión de llevar a cabo una gira tan prolongada le hicieron tomar la decisión de abandonarla tras las primeras presentaciones. Durante ese período, fue reemplazado en el escenario por Daryl Bamonte, que había trabajado con la banda como asistente personal por muchos años.45
Durante el Devotional Tour y el Exotic Tour los miembros de Depeche Mode vivieron excesos de los que en la actualidad se niegan a hablar públicamente. El grupo concluyó la extenuante gira a mediados de 1994 dejando los incidentes de Gahan y Gore así como la ausencia de Fletcher en el Exotic Tour tan sólo como aparentes episodios aislados.44 Aun así, el álbum sería uno de los mejor vendidos en la carrera de Depeche Mode y lograría posicionarse en el número 1 también en Gran Bretaña; el uso de guitarra y batería acústica había logrado captar un mayor número de seguidores que anteriormente no estaban muy interesados en el sonido meramente techno de la banda.
En conjunto, el Devotional Tour y el Exotic Tour son hasta la fecha el más extenso y geográficamente ambicioso tour mundial de Depeche Mode, habiéndose prolongado dieciocho meses para 162 actuaciones, tiempo durante el cual se convertirían, junto con U2 y R.E.M., en una de las tres bandas más grandes en el mundo.46 Songs of Faith and Devotion llevaría a cuestas una importancia descomunal aun mayor que la del Violator, ya que arrancaría a Depeche Mode su globalizada etiqueta de "banda electrónica" para posicionarlo de lleno dentro del ambiente del alternativo.
En junio de 1995 comenzarían a trabajar en lo que sería su siguiente disco, sin embargo David Gahan tuvo una hospitalización de emergencia por un intento de suicidio debido a una sobredosis, poco tiempo después Alan Wilder dejó la banda. Oficialmente el abandono de Wilder se debió a diferencias laborales, aunque en realidad salió por la condición de Gahan, por la aceptación de Martin Gore de que estaba “peleando con sus demonios internos” y por la mala relación que llevaba con Andrew Fletcher, explicando en una carta pública:
Desde que me incorporé en 1982, continuamente me he esforzado por dar total energía, entusiasmo y compromiso a la promoción del éxito del grupo y, a pesar de un constante desequilibrio en la distribución de la carga de trabajo, voluntariamente me ofrecí a seguir en esto. Por desgracia, pese a este nivel de entrega nunca dentro del grupo recibí el respeto y el reconocimiento que merezco.47
 Los años de reconstrucción

 En 1996 Andrew Fletcher se reunió con Martin Gore para comenzar a trabajar en un nuevo álbum sin Alan Wilder, aún pese a los problemas personales cada vez más graves de David Gahan quien estaba ya completamente hundido en las drogas. Después de unos días meditándolo, lo llamaron para grabar con ellos pero pronto recayó de nuevo en su adicción, por lo que se pensó muy seriamente en excluirlo del grupo e incluso Gore contempló publicar las canciones que había escrito en un álbum solista.49 Gahan recibió entonces una advertencia por parte de las autoridades norteamericanas de impedirle la entrada a los Estados Unidos si no solucionaba su problema e irónicamente fue por ello que comenzó a rehabilitarse, por su parte Gore y Fletcher decidieron darle su lugar en Depeche Mode y esperarlo, mientras el disco debió tomarse para su realización unos meses más. A mediados de 1996, Gahan entró en un programa de rehabilitación para combatir su adicción a la heroína,50 e incluso tomó clases de canto para salir adelante.
Con Gahan rehabilitado y nuevamente reducidos a trío, Depeche Mode concretó su nuevo álbum en 1997, Ultra, producido por Tim Simenon, el cual debutó en el número 1 en el Reino Unido y 5 en los Estados Unidos. Ultra mantiene el sonido rock de su álbum anterior y tiene una tendencia más oscura y algo más industrial que en lanzamientos anteriores. Era un año en que la música electrónica nuevamente se había puesto de moda y el disco provocó críticas encontradas pues en él el grupo volvía a la música electrónica por lo cual tuvieron elogios de la prensa, mientras por otro lado hubo quienes lo criticaron de ser un disco inseguro y poco arriesgado. Daniel Miller por su parte insistió en calificarlo como "un disco de transición".
Debido a los problemas que en su momento les había generado el Devotional-Exotic Tour, con Ultra no se llevó a cabo gira, en lugar de ello el grupo decidió hacer sólo dos pequeñas presentaciones a la prensa e invitados especiales con el nombre de Ultra Parties.51
El disco Ultra se distingue porque las canciones son particularmente largas (casi todas rebasan los cinco minutos), además de contener tres cortos temas “instrumentales” (menores a tres minutos cada uno) notoriamente producto de la novedad del género trip-hop, así como por haber tenido varias participaciones de músicos de apoyo para llenar el vacío dejado por Wilder. Los cuatro sencillos fueron "Barrel of a Gun", "It's No Good", "Home" y "Useless", y el título Ultra a decir de los integrantes se debió a que sonaba bien no porque reflejara algún cambio en la banda; los temas "Home" y "Useless" se publicaron como sencillo doble en los Estados Unidos. También con motivo del álbum Ultra en 1997 apareció el sitio oficial de la banda en Internet.52
Para el siguiente año, se publicó una compilación de sencillos de los seis últimos álbumes (o sea, los cinco de estudio y 101), en un álbum doble sencillamente titulado The Singles 86>98, precedido por el nuevo sencillo promocional "Only When I Lose Myself", que se había grabado durante las sesiones de Ultra. Esa compilación también apareció en VHS igualmente titulado The Videos 86>98 que como su nombre indica contiene los videos de todos aquéllos temas.
Con la compilación el grupo realizó una pequeña gira de cuatro meses, The Singles Tour,53 para la cual reclutaron a dos músicos de apoyo en sustitución de Alan Wilder, el baterista austriaco Christian Eigner que ya había participado con ellos en las Ultra Parties, y el teclista Peter Gordeno.
La promoción del material continuó siendo discrecional y muy reservada, a David Gahan se le impidió cualquier acercamiento con la prensa mientras Martin Gore hizo sólo esporádicas declaraciones aisladas y Andrew Fletcher asumió las funciones de vocero del grupo ante los medios, concediendo entrevistas y hablando sobre todo lo referente al álbum, la compilación de sencillos y la gira, pero evadiendo lo tocante a los problemas sufridos por el cantante o al futuro mismo de la banda. Como en los anteriores años, Depeche Mode no afirmaba ni negaba las filtraciones habidas en las revistas y las estaciones de radio ni tampoco daba certezas acerca de si continuaría o no existiendo, sin embargo el resultado obtenido con la gira fue tan bueno que poco después publicaron una compilación paralela de los faltantes discos llamada The Singles 81>85, que es en realidad una nueva edición del previo The Singles 81→85 pero con la curiosidad de contener la versión original de "Photographic" del disco de Some Bizzare.
Para 1999 The Videos 86>98 se relanzó en formato digital, convirtiéndose de tal modo en su primer material publicado en DVD.54
Con el mismo ritmo de trabajo más espaciado de los últimos años, en 2001 Depeche Mode lanzó el álbum Exciter, que fue producido por Mark Bell, del grupo pionero de techno LFO, el cual fue comparado con Black Celebration debido a la diversidad musical de los temas que lo componen y en donde otra vez tuvieron distintas colaboraciones. Bell logró con el grupo un minimalista sonido digital en gran parte del álbum con algo de influencia de IDM. La respuesta crítica fue encontrada, si bien recibió críticas bastante positivas por parte de algunas revistas como NME, Rolling Stone y LA Weekly, otras como Q, PopMatters, y Pitchfork Media lo calificaron de malproducido, aburrido y mediocre.55
Los sencillos demostraron su diversidad musical, el tecnopop de "Dream on", el house de "I Feel Loved", la balada "Freelove" y hasta la canción de cuna "Goodnight Lovers", ésta sencillo sólo en Europa.
Ese mismo año, Depeche Mode realizó la gira Exciter Tour, nuevamente con el apoyo de Eigner y de Gordeno, la cual fue más bien breve, con sólo fechas en Europa y América con la evidente intención de no repetir los excesos del Devotional-Exotic Tour, e incluso se anunció una extensión para 2002 con nuevas fechas para el Viejo Continente, pero antes de empezar fue cancelada. La presentación del 10 de octubre de 2001 en el Palais Omnisport de la Ciudad Luz fue filmada bajo la dirección deAnton Corbijn y posteriormente publicada en mayo de 2002 como álbum en directo con el título One Night in Paris, convirtiéndose en su primer álbum en vivo en formatoDVD.56 También ese año, el 22 de octubre, DM ganó el primer "Premio a la Innovación" de Q Magazine.57
El 10 de mayo de 2002, Mute Records fue adquirido por EMI, pasando DM a formar parte del catalogo de la multinacional. En 2002 apareció también una nueva edición de Videos 86>98, en dos discos. En 2003 Dave Gahan realizó su primer álbum solista, Paper Monsters, en donde él compuso buena parte de sus propias canciones y con el que incluso salió de gira. De la misma manera apareció también en ese año el segundo disco en solitario de Martin Gore, Counterfeit².58 Asimismo Andrew Fletcher fundó su propio sello discográfico, Toast Hawaii, especializado en promover música electrónica y de donde resultó el dueto Client.
En 2003 y 2004 respectivamente, Mute lanzó la versión en DVD de los ya existentes 101 y Devotional. También en 2004 se publicó su primera colección de remezclas, Remixes 81··04, en tres discos, que como su nombre indica contienen mezclas inéditas así como algunas de las más populares remezclas de la banda desde sus inicios, incluyendo una versión "reinterpretada" por Mike Shinoda de "Enjoy the Silence", titulada simplemente "Enjoy the Silence·04", como sencillo promocional, el cual alcanzara el número 7 en las listas británicas.

Época reciente


En 2005 se lanzó el álbum Playing the Angel, producido por Ben Hillier, el cual estuvo en el Top 10 hit alcanzando el número 1 en 18 países. Fue también el primer álbum de Depeche Mode donde aparecieron tres temas escritos por Dave Gahan, quien los compuso con Andrew Phillpott y Christian Eigner animado por el éxito de su proyecto solista; en consecuencia, el primer álbum desde el Some Great Reward de 1984 con canciones no escritas por Gore. Durante 2005-06, Depeche Mode realizó la gira promocional Touring the Angel acompañados de sus ya conocidos músicos de apoyo por los Estados Unidos, Canadá, Europa e incluso México; su gira más extensa desde 1994 y la más multitudinaria tocando ante 2.8 millones de personas en 31 países.59 60

Una versión preliminar del disco fue objeto de piratería por internet un mes antes de su publicación.61 Fuera de ello, la canción "Precious" fue el primer sencillo, un tema escrito por Martin Gore sobre los sentimientos tras la separación de un ser querido, inspirado en su divorcio dado a conocer poco antes. La función industrial "A Pain That I'm Used To" fue el segundo; "Suffer Well" de David Gahan fue el tercero, lo cual la convirtió en la primera canción no compuesta por Martin Gore que Depeche Mode lanzó como sencillo en 25 años; el doble "John the Revelator/Lilian" fue el tecero; aunque sólo "Precious" fue para ambos lados del mundo.


 El álbum provocó la misma reacción que los dos anteriores discos, mientras algunos medios norteamericanos lo calificaron de malísimo, las revistas musicales inglesas lo consideraron uno de los mejores en la trayectoria del grupo; de cualquier modo el material logró importantes posiciones de popularidad que no habían alcanzado los dos anteriores álbumes y aceptación entre buena parte de su público. Adicionalmente, Playing the Angel se publicó en edición de lujo con DVD y fue también el primer álbum de DM disponible como descarga digital.
El disco mostró un Depeche Mode más cercano a la corriente de música industrial, lo cual ya habían experimentado en sus primeros años con los álbumesConstruction Time Again y Some Great Reward, aunque a veinte años de distancia de aquellos Playing the Angel es de sonido mucho más agresivo.
La gira se prolongó hasta la primera mitad de 2006. Depeche Mode encabezó el Festival de Música y Artes de Coachella Valley, en California, y el O2 Wireless Festival, que tuvo lugar el último fin de semana de junio de 2006 en el Hyde Park de Londres. Algunos de los conciertos fueron su primera aparición en países como Rumania y Bulgaria, mientras la fecha en México (un país que no habían visitado durante doce años) vendió más de 55.000 entradas, provocando que la banda programara una segunda fecha al día siguiente.
Ese mismo año se lanzó el DVD en vivo Touring the Angel: Live in Milan, dirigido por Blue Leach y grabado en el Fila Forum de Milán, Italia. Adicionalmente se lanzaron en ediciones limitadas otros cuarenta y tres conciertos de la gira en formato de doble CD o como descargas digitales de la red genéricamente titulados Recording the Angel.62
Apareció también en 2006 una nueva compilación con el título The Best of Depeche Mode Volume 1, presentando el sencillo promocional "Martyr" (que otra vez se publicó sólo en Europa), una canción resultante de las sesiones de Playing the Angel. Ésta es otra nueva colección de sencillos, aunque la primera en recoger algunos de los más grandes éxitos comerciales de Depeche Mode, por ello su nombre "Lo mejor de". También se presentó en ediciones especiales acompañadas de un DVD igualmente con algunos de los mejores videos de la trayectoria de DM, aunque en ese caso el DVD contiene incluso videos de algunos temas que no aparecen en el disco.
En abril de 2006, comenzó la publicación en ediciones remasterizadas de los primeros diez álbumes, en dos canales estéreo y multicanal 5.1 en Super Audio CD y DVD, incluyendo pistas adicionales y lados B. Además, cada disco apareció con un documental mostrando la historia de la banda y la producción de cada álbum.
El 2 de noviembre de 2006, Depeche Mode recibió un MTV Europe Music Award en la categoría de Mejor Grupo.63 En diciembre de 2006, Depeche Mode fue nominado para un premio Grammy a Mejor Grabación Dance por "Suffer Well". Esta fue su tercera nominación a un Grammy, la primera fue un premio en Mejor Video Musical Versión Larga en 1995 por Devotional y la segunda en 2001 a Mejor Grabación Dance por "I Feel Loved".
Por otro lado, a mediados de diciembre de 2006 se lanzó a través de iTunes la discografía total auditiva del grupo con el nombre The Complete Depeche Mode; ésta es la cuarta caja digital después de The Complete U2 en 2004, The Complete Stevie Wonder en 2005, y Bob Dylan: The Collection a principios de 2006.
En 2007, Dave Gahan realizó su segundo álbum solista, Hourglass, nuevamente con la colaboración de Phillpott y Eigner, por lo cual fue un material muy cercano a sus canciones para Depeche Mode.
En agosto de 2008 se anunció el fin de la relación contractual de Depeche Mode con el Warner Music Group en América tras más de veinte años de asociación. EMI reasignó su comercialización en ese lado del mundo a través de Capitol Records en sociedad con el sello Virgin Records.
En abril de 2009 se publicó el álbum Sounds of the Universe, producido nuevamente por Ben Hillier, el cual incluye otras tres canciones de Dave Gahan compuestas con Eigner y Phillpott y cuenta además con la colaboración de Tony Hoffer, quien participara en su álbum Hourglass. El tema "Wrong" fue el primer sencillo desprendido, una estridente pieza alternativa presentada en su versión audiovisual por Internet. La función sideral "Peace" fue el segundo; el doble "Fragile Tension/Hole to Feed" fue el tercero.
El disco resultó el ejercicio más sintético de Depeche Mode prácticamente desde Violator, haciéndolo una colección retrospectiva y revisionista contrastada con temas alternativos, logrando de nueva cuenta críticas en general favorables, mientras algunos medios lo calificaron negativamente apuntando, igual que con Exciter, que pareciera más una colección de lados B.
En mayo de 2009 Depeche Mode comenzó la gira Tour of the Universe64 para promocionar el álbum. Ese mismo mes se vieron obligados a cancelar seis conciertos debido a una afección sufrida por Dave Gahan; al poco se anunció que al cantante le extrajeron un "tumor maligno de bajo grado",65 además los médicos le ordenaron reposo hasta el 8 de junio, cuando retomaron la gira. En julio de 2009 Gahan sufrió una lesión en la pierna en un concierto en Bilbao, España, lo cual obligó a la banda a cancelar los dos últimos conciertos de la gira europea, uno de los cuales estaba previsto para dos días después, en Oporto, Portugal. En su paso por los Estados Unidos y Canadá participaron en el Festival Lollapalooza en Chicago.66 En octubre de 2009 volvieron tras 15 años de ausencia a Sudamérica, presentándose por primera vez en Bogotá, Colombia, y Lima, Perú. El 15 de octubre de 2009 se presentaron por segunda vez y tras 15 años en Santiago de Chile, esta vez en el Club Hípico de Santiago, ante cerca de 50.000 personas. Para inicios de 2010 se realizó la última etapa consistente en una ampliación y en reponer algunas de las fechas canceladas.
Nuevamente algunos de los conciertos fueron grabados y puestos a la venta en formato de doble CD o como descargas digitales con el nombre genérico Recording the Universe.67 La revista Billboard informó que el Tour of the Universe se convirtió en una de las 25 giras más redituables de 2009. La lista encabezada por U2 y Madonna compara los ingresos brutos facturados por los artistas que estaban de gira entre el 6 de diciembre de 2008 y el 21 de noviembre de 2009. Depeche Mode apareció en el lugar 20 con un ingreso bruto total de $45'658,648.00 dólares sólo en 31 conciertos, generando una audiencia estimada de 690,000 espectadores.68
El 17 de febrero de 2010 durante un concierto benéfico en apoyo de la organización Teenage Cancer Trust64 en el Royal Albert Hall de Londres, Alan Wilder en el escenario con Martin Gore tocó el piano para el tema "Somebody". También con motivo del concierto benéfico, se subastaron por Internet ediciones especiales en caja de los álbumes del grupo, una sola de cada uno. Adicionalmente, se puso a la venta por Internet el concierto, pero por separado, fuera de la serie Recording the Universe, simplemente titulado Concert for Teenage Cancer Trust.69 En marzo de 2010 Depeche Mode ganó en los Premios ECHOalemanes en la categoria de "Mejor Grupo Internacional Rock/Pop". Martin Gore y Andrew Fletcher estuvieron presentes para recibir el premio en la ceremonia en Berlín.70
En marzo de 2010 se publicó el álbum Back to Light71 del proyecto Bomb the Bass de Tim Simenon, en el cual aparece el tema "Milakia" coescrito por Martin Gore durante las grabaciones de Ultra. Para noviembre de ese año se publica el nuevo álbum en directo de DM, Tour of the Universe: Barcelona 20/21.11.09, el cual además de presentarse en doble DVD es su primer material en Blu-ray Disc.
Para junio de 2011 se publica la segunda colección de remezclas de DM, Remixes 2: 81-11,72 con participaciones incluso de Vince Clarke y de Alan Wilder, y como promocional de la misma el sencillo"Personal Jesus 2011", una nueva versión del clásico realizada por el dueto noruego Stargate. En mayo de ese mismo año, Andrew Fletcher y Martin Gore participan en un festival especial de Mute Records, en el cual también se presentaron Alan Wilder, con su proyecto Recoil, Erasure con Vince Clarke, quien además participó reviviendo sus asociaciones con Yazoo y The Assembly, así como Gareth Jones, Daryl Bamonte e incluso el productor Flood.
Depeche Mode contribuyó en octubre de 2011 con una versión del tema "So Cruel" de U2, en un CD compilatorio gratuito titulado AHK-toong BAY-bi Covered, comisionado por la revista Q, con motivo de la edición del 20 aniversario del álbum Achtung Baby, apenas el tercer cover que realizan en su carrera.73 Al mismo tiempo, Martin Gore cantó el tema "Man Made Machine" del dueto de techno Motor, quienes fueran de sus teloneros durante el Tour of the Universe, e incluso participó en el video promocional con ellos.74
Para noviembre de ese año se anunció tanto a través del sitio oficial de Depeche Mode en la red como en el de Erasure la colaboración de Martin Gore con Vince Clarke bajo el nombre VCMG en el álbumSsss, publicado en marzo de 2012.75
En 2012, Gahan participó como compositor y cantante para el álbum The Light the Dead See del dueto inglés Soulsavers, el cual fuera también telonero de DM durante la gira Tour of the Universe.
El 1 de febrero de 2013 se dio a conocer "Heaven", el primer sencillo del nuevo trabajo de DM. En marzo se publicó el álbum Delta Machine, bajo su nuevo sello Columbia Records,76 y producido de nuevo por Ben Hillier, lo cual lo convierte en uno de sus colaboradores más frecuentes, y el cual contiene otros tres temas compuestos por David Gahan con lo cual se volvió el segundo compositor más consistente del grupo; en mayo se publicó "Soothe My Soul" como segundo sencillo del material; "Should Be Higher" de David Gahan será el tercer sencillo del álbum.
Durante su semana de lanzamiento, Delta Machine vendió 52 000 copias en los Estados Unidos y debutó en el sexto lugar de la principal cartelera de éxitos semanales del país, la Billboard 200, donde se convirtió en el séptimo álbum de la banda en figurar entre los diez primeros lugares .77 De esa forma, desde el álbum Violator hasta Delta Machine, Depeche Mode ha ubicado todos sus álbumes de estudio entre los diez primeros lugares de la lista.77
Desde mayo de 2013 DM realiza la gira The Delta Machine Tour, de nuevo con el apoyo de Eigner y Gordeno.



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